La première fois que j’ai touché la terre, c’était à l’âge de cinq ans, me dit-elle. Un puissant lien, indéfinissable, venait de se créer entre elle et moi. Bien plus tard, vers quinze-seize ans, je découvrirai que l’épouse du directeur de mon lycée était potière et qu'elle venait de créer un atelier au sein même de l'établissement. »

« A cette époque, je ne voulais plus étudier, je désirais devenir potière malgré l'opposition frontale de mes parents. » Cependant, ceux-ci, sensibles à ses aspirations de jeunesse, lui achetèrent un tour et un petit four, mais en lui faisant promettre d'achever ses études destinées à l’enseignement. Promesse tenue, puisque Monica Stüttgen devint professeur des écoles dans son pays. Plus tard, elle quittera le domicile de ses parents et connut un artisan potier près de Heidelberg avec qui elle se mariera. Une vie de bohème commence alors. Elle réalise ses premiers pots sur une île de la mer du Nord puis s'installe en France avec son mari aux Aix-d'Angillon, dans le Centre France, tout près de La Borne, la patrie des potiers. Concomitamment à son activité française de ses débuts, elle continuera son travail de production en Allemagne.

Poésie

Monica Stüttgen a poursuivi lentement, mais patiemment, un chemin souvent semé d’embûches, sans jamais abandonner ses rêves de potière. Les aléas de la vie ont guidé ses pas vers cette région de Rhénanie-Westphalie où elle demeure depuis vingt ans. « Mon oncle m’a beaucoup aidée à me reconstruire ici. Depuis le mois de janvier, je me sens libérée de ma charge d’enseignante. » En cette fin octobre 2019, elle nous parle avec passion de ce métier d’art qu’elle exerce avec talent. Son atelier de poterie*, dans lequel elle nous reçoit, est à son image. Ici, la poésie est omniprésente dans la plus grande partie de son domaine : d’abord, dans sa maison-atelier, où le visiteur curieux peut trouver, entre autres, toutes sortes d’objets familiers, ensuite, dans le pré entourant la maison. Là, on y rencontre un monde animal de ferme étonnant, mais aussi des personnages champêtres surprenants et hauts en couleur qui semblent sortis directement d’un four féerique. « Mes céramiques, précise-t-elle, sont fabriquées individuellement et uniquement à la main en plusieurs étapes, cuites à haute température et extrêmement durables, c’est-à-dire résistantes au lave-vaisselle, au micro-ondes et au gel. »

En cette avant-veille de fêtes, je quitte cette maison enchantée fleurant bon la féerie populaire des très anciens contes allemands qui firent rêver de nombreuses générations. « L’art doit-il être utile ou non ?» Éternelle question que se posent les artistes et pour laquelle je répondrai par l’affirmative. La fée Monica du Stevertal est passée par là.

Pour les Amis d'Art'issime :

Pierre-Émile GIRARDIN

* Töpferei Atelier Monica Stüttgen, Stevern 90, 48301 Nottuln. Tél. : 02502-226992

info@toepferei-atelier-s.de; www.toepferei-atelier-s.de

APRÈS une saison musicale 2018 bien remplie, la plus parisienne des Japonaises, la talentueuse Yoko Kaneko, - une des meilleures pianofortistes du monde musical actuel -, nous invite à l'auditorium Colbert de la BNF qui abrite l'Institut national de l'histoire de l'art 1, pour une soirée exceptionnelle présentée par M. Étienne Valère, conservateur BNF. L'incontournable et brillant violoncelliste Christophe Coin l'accompagnera  dans cette nouvelle aventure musicale sur la Sonate Arpeggione de Schubert créée, sur commande, en 1824, par le célèbre compositeur en l'honneur de ... l'arpeggione. Cet instrument hybride à six cordes inventé l'année précédente par le luthier Johann Georg Staufer comme déclinaison d'une "guitare à archet", se révélera finalement peu commode à jouer, le jeu à l'archet étant rendu très délicat. Passionnés de musique ancienne, ces deux grands chambristes présenteront ainsi demain soir une nouvelle transcription de l'œuvre schubertienne dans ce lieu historique de l'Art en faisant entrer le pianoforte Walter Clarke de Yoko Kaneko et l'arpeggione de Christophe Coin.

Pianos historiques

C'est à la Tōhō-Gakuen de Tokyo que Yoko Kaneko commence ses études musicales. Elle a quatre ans et la méthode Kodály sera le déclencheur d’une très grande carrière. « Je suis très fière de mes études japonaises », me dit-elle. Ayant été sélectionnée, elle a obtenu une bourse du gouvernement français. Elle s'installe à Paris puis entre au CNSMD en 1987 dans la classe de piano de Yvonne Loriod-Messiaen, puis de Michel Béroff, et celle de Jean Mouillère pour la musique de chambre. Elle reçoit également les conseils de grands maîtres tels que Germaine Mounier, Jean Hubeau, György Kurtag et Menahem Pressler 2..

En 1991, elle obtient les premiers prix de piano et de musique de chambre ainsi que le diplôme d’analyse et est acceptée en cycle de perfectionnement de musique de chambre à l’unanimité. « J’essaie de rendre authentiques les œuvres des grands compositeurs en connaissant d’abord leur style spécifique pour pouvoir obtenir ensuite une interprétation juste », me confie-t-elle avec cette passion musicale si belle à voir et à entendre. Inspirée par les pianos historiques, elle acquiert la pratique de ces instruments avec Jos van Immerseel, à l’origine de la création de la classe de pianoforte au CNSM de Paris en 1992. Elle commence sa carrière de pianofortiste en 2005, dès l’arrivée de son pianoforte. Cette grande artiste a créé le Quatuor Gabriel en 1988. Depuis, elle enchaîne les concerts internationaux et les enregistrements et obtient les plus hautes récompenses musicales.

Les éditions successives de la sonate nous l’ont présentée dans des transcriptions diverses (pour violon, violoncelle, alto ou instruments à vent), mais le manuscrit original de Schubert, conservé au département de la Musique de la BNF, incite à redécouvrir l’œuvre dans sa conception initiale.

Une soirée musicale originale et de qualité à ne pas manquer.

Pour la rédaction d'Art'issime

Pierre-Émile GIRARDIN

1) INHA, auditorium, Galerie Colbert, 2, rue Vivienne, 75002 Paris à 18 heures (Métro Bourse, Pyramides, Quatre-Septembre, Palais-Royal). Entrée libre.

2) XIIe Festival de musique de chambre à Giverny : Passion et Enthousiasme (Art'issime n°38)

3) Photos : DR et PEG

En cette fin d'année un peu morne, quoi de de plus enivrant et régénérateur que de pénétrer ce bon vieux village Saint-Paul dans le IVe arrondissement de Paris. Face à l'imposante enceinte de Philippe Auguste, la rue calme des Jardins-Saint-Paul, en plein Marais, avec ses anciennes maisons qui la longent à distance respectable, nous restitue le parfum de la Renaissance. Ici, nous croisons le fantôme de Rabelais qui vécut et mourut le 9 avril 1553. Ayant cette muraille vieille de trois siècles et demi devant les yeux, l'auteur de Pantagruel n'avait de cesse de la railler pour sa vétusté. Aussi ne faisait-il pas dire à Panurge dans son Pantagruel paru en 1532 : "Voyez cy ces belles murailles. O que fortes sont et bien en point pour garder les oisons en mue. Par ma barbe, une vache avec un pet en abatroit plus de six brasses."

Deux grandes artistes se sont donc donné rendez-vous en ce lieu magique pour y exposer et présenter leurs dernières œuvres :  alors, à tout seigneur, tout honneur ! Kayoko Hayasaki, est une habituée du Village Saint-Paul, et plus particulièrement du célèbre Atelier Mire qu'elle fréquente depuis la fin du XXe siècle. Dès 1999, elle modèle et sculpte la terre à l'espace Sorano de Vincennes. Au cours d'un de ses nombreux voyages au Japon, où elle perfectionne sa formation aux techniques traditionnelles de poterie, modelage et céramique, elle rencontre le maître céramiste Tadashi Mori, par ailleurs membre de l'académie internationale de céramique de Genève, avec lequel elle travaillera au cours de plusieurs séjours. A l'invitation de Kayoko Hayasaki, le maître japonais se rendra en France et s'intéressera à la "bonne qualité" de la terre de la campagne bourguignonne. A tel point qu'il en préconisera une recette pour l'accommoder: A l'instar du grès, cette terre peut être cuite à 1 300 degrés.

Depuis 2005, Kayoko est devenue propriétaire de l'Atelier Mire qu'elle a développé et agrandi en créant la galerie qui porte son nom. Si cette artiste continue d'enseigner la céramique, elle persévère dans ses recherches, expériences et découvertes utiles à la pratique de cet art ancestral.  Aussi, elle fréquente inlassablement les hauts lieux de la terre et du feu tant en France (Pouligny, la Borne) que sur sa terre natale (Bizen, Comono). Toutes les techniques de cuisson lui sont familières, mais elle affectionne plus particulièrement la cuisson au bois. Au cours de notre visite, elle nous a présenté 36 tasses à saké merveilleusement réalisées par "Yakishimé", une cuisson électrique qui ressemble à une cuisson au bois. Concernant la forme de ses œuvres, elle adopte une nouvelle expérience avec des pièces à doubles parois, ouvertes et fermées, mais émaillées. Ici, l'harmonie dans la dissymétrie de ses œuvres est bien révélée par la technique de l'Ikebana. Une pure merveille! Cette artiste pleine d'humilité et de sagesse sait partager avec ses hôtes son talent créatif et sa bonne humeur. Merci Kayoko!

Avec cette Tranche de ville, prélevée sur des immeubles de Paris, la photographe d'art Martine Peccoux - bien connue des lecteurs de notre magazine -, mais aussi de tous les amateurs de belles photos en argentique, nous présente des œuvres en osmose avec les céramiques, ses voisines d'exposition. Formée à l'art photographique à l’École supérieure d’arts graphiques Guillaume Met de Penninghen (ancienne Académie Julian), puis plus tard assistante chez Jean-Marie Chourgnoz, publicitaire et photographe réputés, Martine Peccoux représente " l’art de la  prise de vue jusqu'à tenter d’atteindre la perfection, le travail sur la lumière ou le cadrage", car rien n’échappera désormais à l’œil vigilant de cette artiste pour qui « la photo ne peut être décrite par des mots ». « La photo, nous dit-elle, doit parler d’elle-même, puisque c’est une image fixe qui doit ressentir quelque chose. »

Cette journaliste professionnelle fera les beaux jours des grandes agences de presse pendant plus de vingt-cinq ans avant d'assouvir sa passion pour le cinéma en participant à plus de cinquante films français et américains, en qualité de photographe de plateau. Ainsi, de 1980 à 1986, elle croquera les plus grands acteurs et deviendra, entre autres, la photographe attitrée d’Yves Montand*. Pour ces portraits, Martine Peccoux travaille exclusivement en argentique et en noir et blanc. « J’aime l’argentique, me confie-t-elle, particulièrement au moment du développement. Se faire peur est magique ! » Cette talentueuse artiste au caractère bien trempé est cotée à Drouot sur le marché de la photographie depuis 2007. Pour cette nouvelle exposition elle a "traqué", avec une belle créativité, les façades d'immeubles parisiens sous des angles improbables, au graphisme original tiré vers le ciel de la perfection. L'imaginaire et le ressenti de Martine ont fait le reste, car derrière ces façades, ce sont des volumes, des espaces dans lesquels Martine Peccoux nous invite à la réflexion. 

L’art du reportage photo fait appel à une intelligence et à une sensibilité de tous les instants, où réussite et échec se côtoient au millième de seconde. En ce sens, les œuvres de Martine Peccoux relèvent bien de la magie : l’intimité au bout de l’objectif et la lumière pour horizon. Un régal pour les yeux.

Pour la Rédaction d'Art'issime 

Pierre-Émile GIRARDIN

*Art'issime n° 30

Depuis 2001, Giverny et les impressionnistes célèbrent, en août, la musique de chambre. Pour sa quatorzième édition, ce festival de musique atypique – véritable réplique de celui de Marlboro aux States -, créé en 1946 par trois grands musiciens, Serkin, Casals et Moïse, fait appel à des musiciens seniors qui viennent partager leur amour de la musique avec de jeunes interprètes en résidence dans les jardins de Giverny. Mais qu’on ne s’y trompe pas, cette vingtaine de juniors sont pour la plupart des solistes d’orchestres prestigieux, des musiciens de chambre aguerris, mais aussi de brillants étudiants en fin de formation dans les plus grands établissements d’enseignement musical à travers le monde. Notre magazine, qui suit avec passion l’évolution de ce véritable « Atelier de musique », est heureux de découvrir chaque année de nouveaux talents choisis avec soin par Michel Strauss et son équipe.

Cette année, le programme musical se décline sur deux thèmes et pendant dix jours : Musique en révolution et la Route de la Soie. Certes, la révolution d’Octobre en Russie est dans toutes les mémoires, période féconde et porteuse d’espoir pour les peuples opprimés par les guerres et les dictatures. On sait, hélas! ce qu’il en adviendra par la suite. Chostakovitch sera un des rares compositeurs russes à résister, puis à survivre difficilement à l’ère stalinienne, mais au prix de quels renoncements ! Ce très grand compositeur est à l’honneur à Giverny avec d’autres « révolutionnaires » tel le grand Beethoven, qui, lui, a révolutionné la musique à une époque charnière qui marquera durablement dans la forme la musique symphonique et la musique de chambre.

Dans la seconde thématique, la Route de la Soie incarne « le grand brassage des cultures des peuples » traversées par cette route immense. Belle nouveauté avec la venue de la compositrice azerbaïdjanaise Franghiz Ali-Zadeh, qui créera une œuvre pour le festival. Par ailleurs, deux versions de Shéhérazade seront proposées au public, l’une de Rimski-Korsakov et l’autre de Maurice Ravel. Avec Borodine, vous vous dirigerez Dans les Steppes de l’Asie centrale.

Deux conférenciers, Agathe Keller et Laurent Mazliak, viendront de nouveau associer les sciences  au festival : ils parleront des mathématiques franco-russes et de

 la circulation des savoirs. Avec un tel programme, soit 11 concerts à Giverny et Vernon, ainsi que dans les églises romanes environnantes, il ne vous reste plus qu'à honorer de votre présence Giverny et tous ses talentueux artistes dans le cadre privilégié du village de Monet.

Pour la Rédaction d’Art’issime

Pierre-Émile GIRARDIN

Cette artiste talentueuse vient d'installer ses œuvres à la petite Galerie 43* pour une bonne semaine. Notre magazine la suit dans son évolution depuis plusieurs années.

« J'ai toujours aimé la peinture et l'émail de grès et j’ai essayé de trouver une façon me permettant de suivre mes passions en me servant de la terre et des possibilités qu’offre la céramique pour faire de la peinture, et j’ai pu mettre au point une méthode que j’appelle peinture sur terre de grès », nous précise-t-elle. Ses peintures sont l’aboutissement d’une idée venant de son vécu, des choses qu’elle aime depuis toujours ou qu’elle vient de découvrir, des émotions qu’elle a éprouvées dans un passé proche ou lointain, de son inconscient ou plus prosaïquement de ce qu’elle a devant ses yeux. Cela étant, confie-t-elle, "j’adore passer d’un thème et d’un style à un autre, et mon répertoire s’étend de l’univers à l’Antiquité ». Ingrid Ohayon crée également des sculptures et peint à l’acrylique. Cette artiste autodidacte, dont la richesse artistique force l’admiration, expose dans le monde entier depuis une dizaine d’années. Elle a obtenu de très nombreuses distinctions en Europe et aux Etats-Unis. Souhaitons-lui un long chemin et de nombreuses créations. En attendant, allez la rencontrer dans ce vieux quartier typiquement parisien et accueillant.

La Rédaction d'Art'issime